Sesión viernes 25 de octubre

Comenzamos la sesión tomando contacto con un dossier que constituirá una herramienta de trabajo para la asignatura. Tiene dos partes, la primera es de fuentes bibliográficas y la segunda son lecturas que vienen dadas por un índice (se han incluido dos lecturas más que no están señaladas en el índice). Todas las lecturas tienen temas variados, es decir, que  no sólo se centran en la música.

Para el día 8 de noviembre debemos hacer seis lecturas:

1- El mito de la caverna (carta a Rosana)

2- Orientaciones sobre contenidos específicos del área de Educación Artística.

3- La música no es un talento sino una forma de inteligencia

4- Diálogo entre Sócrates y Alcibíades

5- Paradojas de la tonalidad musical

6- Un fortísimo magistral

El esquema que debemos seguir para realizar dichas lecturas es el siguiente:

1. Leer e intentar comprender.

2. Anotar en los márgenes lo que no entendemos. (Para así cuando él pregunte en clase qué no entendemos se lo digamos para que nos lo aclare)

3. A partir de lo leído, pensar qué aplicación didáctica haríamos en Educación Primaria. Cabe destacar que hace referirse únicamente al área de Música, sino que puede pensarse esta aplicación para cualquier otra.  

Después, devuelve las correcciones del primer encaje silábico,  recoge los trabajos mandados para este día y da  las fechas para los grupos de discusión. En nuestro caso es el día 28 de febrero.

Seguidamente, por grupos salimos a tocar la samba con instrumentos (un pandero, un par de claves, una caja china, un güiro, una sonaja y unos bongós). Al principio tocamos en 3, 5, 7, es decir, incorporándonos poco a poco. Una vez que todos desempeñan su papel con cierta soltura, se hace el denominado tutti da capo (todos desde el principio) llevando a cabo 8 repeticiones. A casi ningún grupo le sale perfecto, pero precisamente por eso podemos buscar soluciones reales que pueden ser aplicadas en el aula con los niños. Por ejemplo, el pandero, que en este caso es que marca a todos los demás instrumentos, si no suena correctamente, lo que se puede hacer es ralentizar el tempo para que todos consigan adaptarse. Es una especie de autorregulación. Lo importante, es que cada fase de este proceso se interiorice correctamente y sin tener prisa. Como nos explica el profesor, hay cuatro fases para conseguir tocar la samba correctamente:

1. Cantar las frases.

2. Trasladar el ritmo de las frases a los instrumentos (Pandero, claves, etc.).

3. Trasladar lo realizado con los instrumentos anteriores a los xilófonos.

4. Ornamentar lo anterior incluyendo más notas con los xilófonos.

Después, toda la clase realizamos las distintas combinaciones con las pelotas de tenis. Primero hacemos conjuntamente 4 veces los diferentes modelos: 2, 3, y 4. Después, la mitad de la clase hace de 2 y la otra mitad de 3. Como el ciclo se cierra tras 6 tiempos, los de 2 tienen que hacer 3 repeticiones y los de 3, 2. A continuación se combinan 3 y 5, y el ciclo debe cerrarse a los 15 tiempos. Los del modelo 3 deben hacer 5 repeticiones y los del modelo 5, 3 repeticiones.

Sesión viernes 18 de octubre de 2013

El profesor nos muestra los ejercicios que deberemos realizar tanto en la sesión en la que nos encontrábamos como en las posteriores.

Actividades grupales:

1. Hallar rítmica de la siguiente frase: Como sé que te gusta el arroz con leche, por debajo de la puerta te echo un ladrillo.

2. Polirritmias 2, 3 y 4 con pelotas de tenis, y combinatorias.

3. Ensayo de rítmica de samba. Voces 5ª, 6ª, 7ª y 8ª.

Actividades individuales:

4. Práctica de estilos de canto.

5. ¿Qué es cantar? Diferencias entre hablar y cantar.  

A continuación, hicimos un rápido repaso de los pasos a seguir para realizar encajes silábicos. De este modo, hay seis pasos en total:

1º Buscar las sinalefas y marcarlas.

2º Marcar las sílabas tónicas.

3º Poner una negra debajo de cada sílaba.

4º Poner un acento musical en aquellas figuras que coincidan con una tónica.

5º Poner una barra de compás delante de cada acento musical.

6º Seleccionar los compases adecuados.

Más tarde, el profesor explicó los cuatro estilos de canto:

1. Estrófico: consiste en utilizar un único sonido para muchas sílabas.

2. Silábico: consiste en utilizar un sonido por cada sílaba.

3. Neumático: consiste en utilizar cuatro o cinco sonidos por sílaba.

4. Melismático: consiste en utilizar muchos sonidos (más de cinco) por cada sílaba.

Vimos varios ejemplos de “monstruos” que habían encontrado los compañeros de clase.

Asimismo, el profesor nos representó las polirritmias 2, 3, 4 y 5 con las pelotas de tenis. De este modo, observamos la intensidad del sonido de las pelotas:

Polirritmia 2: fuerte -débil.

Polirritmia 3: fuerte - débil - débil.

Polirritmia 4: fuerte - débil - fuerte- débil.

Polirritmia 5: fuerte - débil - fuerte - débil - débil. (2 + 3)

Cuando el sonido no es coincidente y esto no se hace de manera consciente se le denomina mordente.

Por último, y antes de empezar a trabajar con los ejercicios grupales, volvimos a trabajar con las cualidades del sonido, estos son trece aunque únicamente vamos a ver cuatro.

1. Altura:

Puede ser grave o aguda. Cabe destacar que no hay sonidos graves o agudos, depende con qué los comparemos. Normalmente, como el umbral de audición de los humanos se encuentra entre 20 Hz y 20000 Hz, se suele decir que los sonidos situados cerca de los 20 Hz son graves y los que están más alejados son agudos.

2. Intensidad:

Puede ser fuerte o piano. Su dinámica puede ser súbita (piano - fuerte - fuerte - piano) o progresiva (crescendo o diminuendo).

3. Duración:

4. Color / timbre:

El color es un constructo del cerebro humano. Es un invento de nuestra especie para sobrevivir. El color es la cualidad más importante del sonido y el sonido, es una imagen, lo que puede denominarse como imagen sónica.

¿Qué es un sonido? Es un sonido fundamental vestido de sonidos armónicos. El color permite distinguir sonidos que tienen la misma altura y misma intensidad.

Sesión jueves 17 de octubre del 2013

Conferencia de Jacobo Durán-Loriga

Un paseo por la música hindú

      La conferencia de hoy ha tratado sobre la música clásica de la India, una música de tradición muy antigua. Forma parte de las músicas clásicas más importantes, variadas y ricas del mundo.

        Existen dos grandes tradiciones de música clásica y ambas se sustentan en una teoría musical muy sólida y antigua. Se hereda por generaciones a medida que se renueva.

        Por música clásica India entendemos una mayor amplitud de la zona geográfica, no solamente estará presente en la India, también en Pakistán, Bangladesh, Sri Lanka, Afganistán y Nepal. Hay diferencias regionales y distintos sesgos según aspectos religiosos y culturales (lingüísticos por ejemplo).

        Como hemos dicho al principio hay dos tradiciones dentro de la música clásica india: la música Indostaní y la Carnática. La primera (de India del Norte) coge todos los territorios anteriores salvo la India del Sur, que sería de tradición Carnática. Son tradiciones que se separaron por el siglo XVII, pero tienen mucho en común.

        El comienzo de todo se remonta a la época donde la música de la India se concretaba en los cantos religiosos de los Vedas, que eran recitaciones religiosas aburridas. Esta música estuvo vinculada a los monasterios. Después con las castas, por ejemplo los “Brahmanes“(religiosos) en la casta brahmánica,  se propagaron himnos védicos en toda la India. De ahí muy poco a poco ha ido surgiendo la música clásica teórica y práctica de la India.

        En el siglo XV, Bharata empieza a meter algunas características en la música védica como los sistemas de afinación y los raga. Los raga describen las características de la música india y se mantienen a día de hoy. A día de hoy aún se siguen componiendo. Bharata habla de las escalas para hacer música. Más adelante, Matanga (siglo IX) hizo ragas que actualmente siguen inmutables. Éste último, relaciona las ragas con el tema metafísico, la astronomía, los sentimientos, las estaciones, algo consustancial a la filosofía del raga. Según él, el raga está muy relacionado a los estados de ánimo.

       De hecho, en el periodo pre-islámico el raga se utilizaba en las cortes de príncipes y majarás. La música iba acompañando al príncipe todo el día, no se paraba, a la hora de despertarse y también a la hora de irse a dormir, incluso para hacer el amor había ragas sonando. Según el momento del día, la actividad, si había dolencia, etc.,  se adaptaba el raga a las necesidades del príncipe. Esto es algo que aún hoy perdura.

        ¿En qué se diferencian los ragas? Básicamente por la escala en la que están compuestas. Según las tradiciones hay muchísimas escalas, en la India del sur hay 72 sobre las que poder construir una serie de ragas. En la música tonal occidental solo hay dos escalas, la mayor y la menor. En el norte de la India se calcula que puede haber 65.000 ragas posibles, aunque no se usan más de 300. El raga lo que hace es además de coger una determinada escala, darle determinadas características.

        Los indios tienen solfeo a base de sílabas: sa, re (o ri), ga, ma, pa, dha y ni. No todos los ragas contienen las siete notas, hay algunas con solo cinco o seis. La escala puede ser ascendente de “sa” a “ni” o la descendente que sería la inversa. Llama la atención que no tienen diapasón. No existe una referencia establecida, cada cantante o instrumentista sitúa la nota a la que llamamos Do en el centro de su registro para que le venga cómodo, es decir, ponen el Do donde mejor les viene. Tienen que cantar al menos tres octavas. En España se cantan sólo dos y, a veces, incluso menos. En los ragas hay determinadas notas que hay que llegar por medio de otras. La música india tiene cuartos de tonos, que son adornos. Para acompañar el raga adornándolo se puede introducir un armonio o un laúd.

Ascendente (Aroh)

Descendente (Arroh)

La escala descendente en los ragas no se da plenamente sino que sube, baja, sube, baja.

        Bageshri: es un tipo de raga, más de la tarde y muy adecuado para la enamorada que está esperando a su enamorado. Para nosotros estaría en Si (bemol).

(dibujo bageshri escala ascendente = Aroh, la descendente= Arroh)

        Un raga de reglamento dura hora y media a dos horas en la India del Norte, en la India del Sur son más breves. Siempre se acaba con la tónica.

        En el periodo preislámico hasta el siglo XIV los músicos más importantes eran los cantantes y el repertorio fundamental era para voz. El solista siempre era vocal, le acompañaba el fondo armónico, un tambor (normalmente tubular con dos parches) y algún instrumento melódico que hacía de acompañamiento a la voz, como imitando lo que hace la voz.

        Drupad Khyal es el estilo más antiguo (estilo drupad), se remonta a antes de la islamización de la India. Se caracteriza por ser un estilo sobriamente ornamentado. El estilo Khyal llega a la India por influencia persa en el momento que es islamizada y la casta dirigente es sustituida por príncipes islámicos. Para llegar a subir en las castas se cantaban heredando la tradición de los cantantes brahmanes, se permitió de esta forma que gente de la casta inferior tocando sus instrumentos llegaran a las altas castas. En los Khyal se utilizan los ritmos con más arpegios.  La percusión no está desde el principio, y luego hay una aceleración de los tamborcillos (uno cóncavo y el otro cilíndrico). Este tambor no entra más que en la última sección del raga.

        Alap: el solista expone el raga nota a nota. Es normal que se enrolle un rato con dos notas, luego mete una tercera, después juega con las permutaciones de las tres, continúa metiendo la cuarta nota, y así hasta tener toda la escala. Es aquí donde un solista demuestra su conocimiento, puede ser incluso media hora de canto.

        Gat: es cuando entra la percusión. Dura unos 40 minutos y es la parte más animada. En ella tenemos el tambor marcando el ritmo y una aceleración.

        Tala: es el ritmo en el que se interpreta un raga en un preciso momento. El raga es música modal, la parte rítmica de una interpretación es dentro de un cinco rítmico que tampoco se sale nunca. Si es de siete pulsaciones siempre será así, en el norte se acelera y en el sur se mantiene el pulso. El ciclo puede ser de 100 pulsaciones a 108. Se practican ciclos o talas de entre 6 y 16 pulsaciones. Dentro de las pulsaciones hay ritmos típicos de talas.

        El percusionista y el solista no se ponen de acuerdo sobre dentro de qué tala se tocará el raga. La música de la India del norte es improvisada; no hay cultura rítmica comparable. En una improvisación solo de tala, el primer ciclo dura 46 segundos, el ultimo 2 segundos (las pulsaciones siempre mantenidas). La diferencia fundamental entre el tala y nuestro compás es lo largo que puede ser y la cantidad de elementos que puede tener.

        Durante el periodo de corte islámico se separan las tradiciones del corte del sur, porque el sur es más reacio a islamizarse. La del sur está más apegada al canto.

        En el imperio británico se cambian de nuevo las cosas. A los ingleses la música de la India les parecía horrorosa. Es un momento de crisis para el arte culto. Mucho después del periodo británico, con la independencia, vino la amplificación, la radio, etc., que llevó al auge de la música culta. La trasmisión oral de la tradición entra en crisis a la caída del imperio, a los maestros les cuesta conseguir discípulos, se abren las escuelas a las mujeres (como bailarinas fundamentalmente, luego como cantantes, si eran hijas de un maestro podían ser instrumentistas).

Sonorus Strings of Sarandi. Pandit ram Narayan

Sesión viernes 11 de octubre de 2013

En primer lugar, copiamos la 5º, 6º, 7º y 8º voz de la samba en una hoja de pentagramas.

Seguidamente, se corrigieron los trabajos de encaje silábico de la semana pasada, los cuales se tendrán que volver a entregar corregidos.

Parte práctica. Ejercicio de dinámica

El profesor realiza un ejercicio de dinámica con música y las conclusiones que sacamos después de varias repeticiones fueron que cuando el sonido era fuerte las zancadas eran más grandes y, al contrario, cuando eran débiles éstas eran cortas. Se dieron dos cambios de intensidad de dos tipos (súbitamente o progresivamente) y el pulso era constante.

Tempo: velocidad del pulso

Dinámica: representar cambios de intensidad. Movimiento que necesitamos para pasar de una intensidad a otra.

Por grupos vamos saliendo y realizando el ejercicio de dinámica.

Cuando un niño lo hace de manera independiente del grupo, es porque tiene confianza en sí mismo. En grupo nos sentimos seguros pero cuando se controla la situación, vas libremente.

Parte teórica. Explicación de la actividad realizada

El sonido tiene cuatro cualidades: la altura, la intensidad, el color y el timbre. Mediante esta actividad hemos trabajado la intensidad, es decir, la dinámica.

La altura se mide en alto o bajo, en cambio, la intensidad se mide en fuerte o piano.

Para pasar de una intensidad a otra existen dos procedimientos:

1. Súbitamente: f - p o p - f

2. Progresivamente:

Crescendo:

 

Diminuendo:

Dictado

f        p  <   f     p  <  f     p

f        p  <   f     p  <  f     p

p   <   f   >  p

Este dictado consta de cinco partes, la figura geométrica que lo representa sería el pentágono.

Con los niños puede dibujarse cada lado del pentágono de un color diferente, simbolizando las partes del dictado. Además, conviene ajustar su medida a la duración de la parte, dando lugar a un pentágono irregular. Después, esa misma figura geométrica puede trasladarse al suelo del aula, pegando cinta adhesiva. Los alumnos, con la música de fondo, se irán moviendo sobre la cinta y llegará un momento en el que ya controlen cuándo cambia la intensidad; estarán en los vértices respectivos en el instante adecuado.

Para el 24 de enero por grupos tenemos que realizar una recensión (reflexión) sobre algo que se pueda destacar acerca de lo que se ha aprendido del libro El elemento, de Ken Robinson.

Sesión jueves 10 de Octubre de 2013

Teoría y lenguaje musical básico

Tresillo: es un grupo de tres notas que equivalen a dos tiempos, es decir, a pesar de ser tres notas sólo se pueden tocar como si fueran dos.

Compás simple y compás compuesto: un compás simple es aquel que se divide en mitades. Sin embargo, en el caso de los compases compuestos, cada tiempo se subdivide en tres. En el compás compuesto la unidad de tiempo se divide en 3 corcheas.

De este modo, el compás compuesto equivalente al dos por cuatro sería seis por ocho.

 

En el caso del compás de tres por cuatro, su equivalente sería nueve por ocho.

Y, el compás equivalente a cuatro por cuatro sería doce por ocho.

Signos musicales:

Las notas no son todas naturales, por ejemplo, las negras del piano. No tienen nombre específico sino bemol y sostenido.

El sostenido es una alteración que indica el aumento de un semitono en una nota. Se representa con el símbolo (#).

El bemol es una alteración que indica un leve descenso en la altura, concretamente, medio tono. Se representa con el símbolo (♭).

En castellano tanto el sostenido como el bemos son fáciles de recordar si se atiende a la primera letra:

Sostenido = Subido

Bemol = Bajado

Son dos formas de denominar las notas. Es lo mismo decir Sol# que La♭. Significa que tenemos un Sol Subido o bien un La bajado, que en definitiva representan el mismo sonido. En el piano por ejemplo, los sostenidos y los bemoles se encuentran en las teclas negras.

Para anular tanto el bemol como el sostenido se utiliza otro signo denominado becuadro.

Otro signo relevante es el de repetición que se usa, como su nombre indica, para repetir determinados compases.

La casilla de 1ª significa que sólo se toca la primera vez, si hay una casilla de 2ª, en la primera repetición se toca todo, pero en la segunda se salta donde esté la casilla de 1ª.

La música es el único lenguaje que se entiende de forma universal.

El cuerpo humano como instrumento musical

Elementos: voz, manos, boca, pies, dedos, golpear varias partes del cuerpo.

Los sonidos de la boca pueden ser voluntarios e involuntarios.

La voz es el instrumento por excelencia que tiene el cuerpo humano. Es, en sí misma, el rey de la educación músical y lo más complejo de ésta, como herramienta, es la entonación.

La boca es capaz de emitir sonidos de todo tipo. Éstos pueden ser voluntarios como por ejemplo, silbidos, resoplos, etc., e involuntarios, como por ejemplo, la tos.  

Las manos pueden ser utilizadas como instrumento de percusión, ya que podemos dar palmas, golpes con otras partes del cuerpo, chasquidos con los dedos, frotar las manos, etc. Hay que añadir que éstas nos permiten potenciar los matices dando más o menos intensidad al sonido.

Los pies tienen un uso musical muy similar al de las manos, pudiendo emitir sonidos de pisadas con más o menos intensidad.  

“La música es el único lenguaje que se entiende en todo el planeta”